El artista se ha escapado.

A Jane's Addiction se les considera pioneros del llamado "movimiento alternativo"; durante la segunda mitad de los 80, y principios de los 90 fueron capaces de romper barreras musicales y estéticas, mezclando elementos del rock, funk, jazz, sicodelia, metal y música experimental, sumando además una puesta en escena potente, agresiva y trasgresora. Era la irreverencia de Perry Farrell (Voz) la que hacía que la imagen del grupo fuese tan llamativa, a través de sus poéticas letras y su visión como artista estético, envolvía la música de los Jane's de un aura única.

Pero las luchas de egos convirtieron el legado de la banda en un mito más: separaciones, conflictos internos, reuniones incompletas y lanzamientos poco convincentes terminaron por eclipsar la magia que originalmente hacía de la Juana una experiencia única sin precedentes.

Ahora Jane's Addiction vuelve para demostrar que tras tantos años de altos y bajos, aún son esa banda cruda y románticamente violenta que alguna vez conquistó las almas de la gente incomprendida y desadaptada. The Great Escape Artist es el nombre del cuarto trabajo de estudio de Farrell y compañía, lanzado en Octubre de este año, y como ya es costumbre para los Addiction, la concepción de este disco tampoco estuvo libre de turbulencias; donde incluso el mismo Duff McKagan (Guns N' Roses/Velvet Revolver) formó parte de la banda por un breve período de tiempo, contribuyendo a la composición de unas cuantas canciones, de las cuales 3 se encuentran en el resultado final del mismo, aunque la mayor parte del trabajo bajístico es obra de Dave Sitek (T.V. On The Radio), que a la vez hizo la labor de productor del disco.

No deja de hacer ruido que esta es una encarnación de Jane's Addiction que cojea en su formación, sin tener un bajista fijo es Chris Chaney quien nuevamente aparece para cubrir el agujero dejado por Eric Avery tanto en algunas sesiones de grabación como en las presentaciones en vivo de la banda. Claro está que Perry Farrell, Dave Navarro y Stephen Perkins no están dispuestos a dejar que la falta de un integrante los detenga en su anhelo de seguir manteniendo viva a la Juana Adicta, pero valdrá la pena a estas alturas?

Lo que sí es seguro es que The Great Escape Artist está más cerca (En algunas aristas) de lo que la banda era antiguamente que en su trabajo anterior, Strays, donde si bien el material era poderoso, carecía totalmente de la mística y la atmósfera que poseía antiguamente. La búsqueda esta vez apunta en parte a eso, a recuperar ese "sabor" al Jane's clásico, pero que tenga un sonido actualizado, moderno y fresco. El mismo Farrell ha dicho que, por mucho que le gustaría complacer a sus fans más antiguos, es imposible para él el no avanzar como artista... de ahi surge el nombre del disco, y el concepto que lo envuelve.

El disco abre con Underground, de primera uno de los mejores temas del disco, un riff pesado y fácil de agarrar que lleva directo a un potente coro donde la energía contenida por la base rítmica se expande sumado a las guitarras eléctricas de Navarro que suenan con una corporeidad singular; punto alto del disco es el excelente trabajo sonoro que tiene, todo suena muy potente, con mucho cuerpo y mucho peso, sin llegar a volverse algo hostigoso, las capas que posee son un real lujo.

End To The Lies, que fuese también el primer single del disco (Lanzado de manera exclusiva en Chile, con Perry Farrell dando una entrevista en la Radio Futuro dentro del marco del Lollapalooza Chile 2011) hace un uso exquisito de los elementos tecnológicos que el frontman tanto disfruta, una batería poderosa, un bajo que envuelve y unas capas de guitarra que se roban la película, mientras se mezclan pequeños licks con distintos efectos digitales para lograr una atmósfera muy particular.

Esta es la tónica durante todo el disco, un sonido oscuro y absorbente, que se enfoca no tanto en los instrumentos si no en las distintas texturas que se pueden desarrollar sobre ellos. Irresistible Force es el segundo single del disco (Cuyo videoclip deja mucho que desear), es una canción más lenta con un arpegio de guitarra muy sutil y una voz prácticamente susurrada durante el verso y una bellísima melodía durante el coro, quien se roba la película en esta canción es el baterista Stephen Perkins, preciso, creativo y acertado en sus patrones dentro del desarrollo de la canción, como siempre un sabio del uso de los toms y las distintas sonoridades de la batería.

El gran problema del disco, es que después de I'll Hit You Back, que sigue la misma línea de Underground o Curiosity Kills pero con un enfoque levemente más popero, sentimos que el álbum comienza a repetirse sobre si mismo, comienza a perderse la frescura y algunos temas pasan casi desapercibidos, Twisted Tales, Ultimate Reason, y Splash a Little Water On It, sin ser malas canciones, amenos que nos detengamos a escucharlas casi no se notan, hasta que suena Broken People, una de las que contó con la participación de McKagan en la composición, es una balada que termina bastante rockera, hace que uno recupere la atención en lo que está sonando, y finalmente el último tema del disco Words Right Out Of My Mouth, también co-escrita por el ex GNR marca una diferencia notable respecto de lo que se venía escuchando antes, un tema rápido, pesado y potente, que por el contexto en el que se encuentra suena un poco fuera de lugar quizás, pero es un buen cierre para un disco que en su desarrollo termina por flaquear durante la segunda mitad, es un buen salvavidas.

The Great Escape Artist es un buen regreso para una banda que ha tenido que resurgir de sus propias cenizas en reiteradas ocasiones, después de todo, tener solo 4 discos de estudio en casi 30 años de carrera da cuenta de una constante dificultad en cuanto a lo creativo y las relaciones personales dentro de los integrantes. Pero hay cosas que no volverán a ser como antes, y aunque muchos no lo quieran admitir la voz de Farrell está muy lejos de lo que alguna vez fue, mientras que Dave Navarro parece haber perdido el hambre de superarse a si mismo, pues hace tiempo que no levanta la vara que él mismo dejó durante los 90's. A estas alturas Perkins parece ser el más aterrizado de los Jane's, siempre leal y preciso, es como dicen el actual arma secreta de la banda, pues es el único que parece no haber perdido su horizonte después de todos estos turbulentos años.

Algo sabe este nuevo trabajo al Jane's de la vieja escuela, pero no convence completamente, y es que de todas maneras esperar que cualquier músico o artista que se tilde a si mismo de serlo, siga realizando lo mismo que hacía hace más de 20 años  es una ilusión carente de sentido, hay que entender que, como dice Perry, el artista debe escapar y buscar nuevas fronteras... aveces eso es más importante que lograr un resultado que guste o no guste a ciertos grupos de personas. Por ahora The Great Escape Artist es un buen pie para volver a comenzar, ojalá podamos tener al menos un trabajo más de Jane's, para saber hacia dónde se dirige esta nueva iniciativa.



Pablo K.


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Jane's Addiction - Irresistable Force

Jane's Addiction - Underground

Estoy contigo.

En 5 años son muchas las cosas que nos suceden como seres vivos; crecemos, aprendemos, sufrimos, lloramos, nos separamos o reunimos con gente que habíamos olvidado, tomamos decisiones, y emprendemos caminos.

Las bandas no están fuera de ninguno de estos procesos, y muy por el contrario, son victimas de múltiples desarrollos de manera simultanea, como una fuerza viviente llevada hacia todas direcciones por las partes
que la conforman. Red Hot Chili Peppers ha tenido una carrera marcada desde sus inicios por este tipo de turbulencias:  problemas de droga, excesos y  conflictos personales han mermado constantemente lo que podría haber sido un desarrollo bastante más ameno en cuanto a estilos, formaciones y constancia, por ejemplo.

Pero a su vez, los Peppers han demostrado ser una banda que posee una fuerza interna capaz de resistir incluso la muerte, y siempre con un nuevo aire, que busca innovar y ampliar su gama sonora a lugares que no habían sido explorados anteriormente.

I'm With You no es la excepción a esta tendencia en lo más mínimo. Si bien la ausencia de Frusciante no deja a nadie indiferente, el guitarrista icono de la agrupación simplemente ya no está en la banda, y no hay nada que podamos hacer al respecto, suponer cómo habría sido el disco con él,  qué sería de la banda si no se hubiese ido, no nos llevará a nada más que a limitarnos a escuchar de manera consciente lo que a mi parecer es un trabajo muy interesante en cuanto a los elementos que lo conforman, aunque débil en el enfoque.

Al momento de escuchar el disco lo primero que me descolocó fue el fuerte enfoque popero que tiene, canciones muy energéticas, positivas, melodías "oreja"... la verdad es que extrañaba la rebeldía y crudeza de los trabajos anteriores. Si bien las últimas dos entregas (By The Way 2002, Stadium Arcadium 2006) no se caracterizaban tampoco por poseer esa sonoridad "derrite rostros", sí estaban marcados por búsquedas sonoras igual de ambiciosas, que simplemente apuntaban en otra dirección. Lo que I'm With You parecía en una primera instancia, era la consolidación del sonido globalizado de los Peppers, y a mi juicio sumamente industrializado y estandarizado.

Pero las sorpresas comenzaron a aparecer de a poco, acordes nuevos, rítmicas inusuales, celestiales arreglos vocales, capas y capas de guitarra eléctrica generando atmósferas y espacios cálidos, como colchones sonoros a distintas zonas sensoriales, dejando como resultado un disco que posee nuevos elementos musicales, nuevas sonoridades, pero que no termina de convencer en su resultado final.

I'm With You abre con el tema Monarchy of Roses, una canción que marca de entrada lo que será la tónica del disco, es una canción levantadora, con un verso poderoso, interesante y desquiciado, que abre en un coro sumamente bailable, con una melodía suave, fácil de incorporar con solo una escuchada. Primer "pero" del disco: Muy buen materíal musical se pierde en coros convencionales y predecibles, como es el caso también de Look Around, track número 6 del disco. La siguiente canción, Factory of Faith es del mismo club, y también una que marcará una tendencia dentro del disco: El bajo.

El bajo en I'm With You es Flea, definitivamente y sin lugar a dudas, pero es Flea en otra actitud, son líneas de bajo sólidas, pero repetitivas. Hay poca improvisación dentro del trabajo bajístico, lo que no significa deficiente, en ningún caso. Josh Klinghoffer es un guitarrista sumamente espacial, aéreo, delicado y muy sutil, por ende el rol de Flea debía ser adaptado a las exigencias de las nuevas circunstancias.

Brendan's Death Song, la tercera canción del disco es la primera muestra concreta de la búsqueda musical de este nuevo trabajo, comenzando en formato acústico, suave y muy íntima, va de apoco creciendo y agarrando cuerpo, para entrar a un interludio agresivo, de una nota base que se desarrolla dentro de un creccendo, como si fuese un túnel. Si esta canción hubiese sido compuesta hace 20 años, o incluso 10, habría tomado una nueva dirección al salir de este puente, y terminado en un punto diferente al cual empezó, sin embargo estamos en el siglo XXI, donde todo vuelve a su eje. Y esta canción vuelve al coro, que se repite un par de veces hasta terminar el tema sumando ciertos arreglos vocales, pero sin cambiar la base de fondo, otro final predecible para lo que venía siendo una gran, gran obra. Mención honrosa al trabajo de Chad Smith en esta canción (Y durante todo el disco), donde se luce de manera notable, preciso, sólido y creativo, el baterista es uno de los puntos altos durante todo el álbum.

Ethiopia y Did I Let You Know son dos momentos muy interesantes en cuanto a la parte rítmica del disco. El primero posee un verso en una cifra métrica de 7/8, muy inusual para lo que son los Peppers, y a pesar de que es un ritmo que tiende a cojear, los californianos logran funkearlo de manera exitosa y mezclarlo, además, con una melodía que recuerda de alguna manera a algún lugar entre Africa y Medio Oriente, logrando mezclar diferentes elementos en una sola canción que suena sumamente homogénea

Did I Let You Know, corte número 8 del disco, inmediatamente después del primer single The Adventures of Raindance Maggie, posee un saborcillo latino que se siente, abre con una batería haciendo un ritmo de habanera sumamente rockerizado, al que se suma una gutiarra con un punteo maravilloso, generan una mezcla entre sabor, melancolía y calidez, a mi parecer una de las mejores canciones del disco.

Desde aqui en adelante el disco comienza a volverse más interesante, las canciones son más variadas y más versátiles, Goodbye Hooray es el corte más rockero del disco, batería y bajo sincronizados en una explosión rítmica singular, y una guitarra asesina, que ojalá estuviera más fuerte, porque se tiene a perderse un poco dentro del juego de voces entre Kiedis y Klinghoffer.

De aqui hacia el final el disco bombardea con temazo tras temazo, Happyness Loves Company, Police Station, un bellísimo lento con un arpeggio de guitarra delicado y absorbente, Even You, Brutus?, donde Kiedis canta con una mezcla entre pregón y rap muy penetrante, casi gritándote en la cara, una canción muy potente con un coro realmente magno. Meet me at the Corner es otro lento de categoría, una base solida, bella melodía vocal, y un quiebre en donde la voz de Klinghoffer toma protagonismo y es casi desgarrador.

El tema final del disco, Dance, Dance, Dance, es una alegre pieza musical, con mucha atmósfera y muy apacible, es el cierre idóneo para este trabajo que busca acompañar, dar energía y  vibras positivas. Hace rato que los Peppers se sobrepusieron a los fantasmas de su pasado y comenzaron a tener una altura de miras más madura, y cada vez más conscientes de su propia mortalidad, es ese el mensaje que buscan dar hoy en día, vivir, disfrutar, amar. A la naturaleza, a quienes nos rodean, nuestras penas y sufrimientos son todo parte de la bella experiencia que estar vivo, y es eso lo que Red Hot Chili Peppers es en este momento.

I'm With You es un avance en términos musicales, posee experimentación, novedad, elementos nuevos para la banda, no por nada Flea se dedicó a estudiar piano y teoría musical los últimos años, y la verdad es que se nota. Las melodías de Kiedis suenan limpias, bien trabajadas, Chad Smith destroza la batería durante todo el disco, y Josh se dedica a generar capas y capas de guitarras muy interesantes, que quizás no obtuvieron el protagonismo que merecían. Si hay algo que criticar del disco es que, a mi parecer, el enfoque general del trabajo terminó por limitar los resultados de una entrega que podría haber sido realmente original y novedosa,  quizás la timidez del nuevo guitarrista, la incertidumbre de sacar un trabajo sin John Frusciante luego de 12 años, o simplemente parte de la búsqueda que es este nuevo disco era esa. Un poco más de actitud para la próxima, y de seguro tendremos una bomba.

Pablo K.

The Adventures Of Raindance Maggie

Did I Let You Know

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Lanzar el anzuelo, y que el pez gordo pique.

Estamos ya en la segunda mitad del año y grandes lanzamientos se esperan para este segundo semestre, la incertidumbre se siembra, la expectativa crece y las ansias se hacen difíciles de controlar. No solo por lo esperado de los álbumes por venir, si no porque nuevo material es casi sinónimo de gira, y  las grandes productoras parecen tiburones blancos oliendo la sangre que emana de nuestras billeteras.

Red Hot Chili Peppers es el caso más inmediato, con un concierto agendado para el 16 de Septiembre en el Estadio Monumental, donde además se presentará la banda británica Foals y los locales Chancho en Piedra. La banda californiana viene a presentar su último trabajo aún no lanzado, que lleva el nombre de 'I'm With You'.

El silencio por el que han pasado los Peppers desde el boom internacional que fue Stadium Arcadium el 2006, más la exhaustiva gira mundial que vino después (En la que no pisaron suelo Chileno), y la inesperada salida del guitarrista John Frusciante, ha generado una especie de nebulosa al rededor de la banda. Nebulosa que al escuchar el nombre de Josh Klinghoffer parecía no disiparse del todo.

The Adventures of Rain Dance Maggie es el primer single lanzado por la banda como adelanto de su nuevo disco que saldrá a la venta el 30 de Agosto. Es una canción en general simple, a primera vista quizás demasiado plana. Pero hay picante en esto. El verso es un  funk de tempo lento, mezclado con una sonoridad pop, una guitarra sutil y atmosférica, y un ostinato bastante cromático en el bajo durante el verso que es hipnótico, el truco aqui está en la batería, seca, muy rítmica y con cencerro incluido, es lo que, en conjunto con el bajo, no te deja digerir tan instantáneamente la canción por muy pop que pueda sonar. Mención honrosa a las guitarras de Josh, que si bien no son tan protagónicas, generan espacio, suenan interesantes, y hay buenos juegos con las capas de guitarra eléctrica que posee el tema.

El tema me sorprendió y de manera grata, no era lo que esperaba escuchar, e incluso superó mis expectativas. Sin embargo no podemos olvidar que los 80 ya pasaron, no volveremos a tener un Uplift Mofo Party Plan o un Mother's Milk, pero los ya maduros Peppers seguirán teniendo material de calidad para mostrar a sus fans.

Jane's Addiction, otra banda originaria de California, donde el rock, el surf, las mujeres y las drogas tuvieron su momento pick a finales de los 80's y principios de los 90's. La banda de Perry Farrell, Dave Navarro, Stephen Perkins y el bajista Eric Avery fue toda una revolución por esos días, shows carismáticos, energéticos y sobre todo música adrenalínica y fresca que invitaba a ver el rock desde otros ángulos, retomando la creatividad y la experimentación.

Pero como bien nos ha enseñado la historia, lo bueno dura poco, y en 1992 Jane's Addiction sufre su primera  separación (De muchas por venir), y que sería un punto de quiebre importante en lo que a la banda se refiere a futuro. Proyectos separados por parte de cada uno de sus integrantes harían que el proyecto de JA cojeara durante muchos años, reuniones incompletas (Con el mismo Flea en el bajo), lanzamientos de compilados, b-sides, demos y cuanta chatarra se pueda sacar para mantener viva una leyenda que no fue lo suficientemente madura para llegar a ser reconocida como tal. Un intento discográfico titulado Strays fue lanzado el 2003 con muy mala recepción por parte del público, sin embargo Just Because logró des enmarcarse del rechazo e instalarse como uno de los temas más populares de la banda. Poco tiempo después, Jane's Addiction vuelve a separase.

Pero la historia es también cíclica, y las personas parecen aprender de ella... The Great Escape Artist es la nueva placa que Farrel y compañía lanzarán en Septiembre de este año, aunque sin su bajista original Eric Avery. Los intereses han cambiado, la tecnolgía ha avanzado, y la Juana Adicta parece querer aprovecharse de las nuevas herramientas a su disposición para contagiar de su adicción a un público que los ha seguido desde que tocaban en pequeños bares a mediados de los 80's, como también atraer y llamar la atención de nuevas generaciones de seguidores.

La apuesta de JA es inquietante, con dos adelantos ya lanzados al público, End To The Lies y The Irresistible Force (El primero de ellos debutando en Chile en la Radio Futuro), suena un poco a rock, a electrónica, a industrial, con una pincelada gótica. El uso y abuso de filtros y efectos para los distintos instrumentos es algo que puede generar desconfianza en un primer momento, pero una vez desglosadas las capas que trae cada tema, resulta una experiencia envolvente, pesada pero no detonante... como la corriente exaltada de un río rocoso.

The Irrisistible Force es una canción tranquila, el tema se dedica a acumular energía a medida que avanza, pero que extrañamente nunca termina de desatar del todo, sin embargo no aburre, pues tampoco se repite tanto, si bien las secciones si lo hacen, los fraseos de Farrell no son los mismos, ni las guitarras sampleadas de Dave Navarro, lo que convierte al tema en una energía unidireccional que parece estar en constante roce con una fuerza inamovible, lo que hace total coherencia con el tema de la canción en sí.

Lo único que parece inquietarme sobre este nuevo Jane's Addiction es su contenido lírico, la poesía oscura y las letras crudas y directas parecen haberse ablandado con los años y convertido en letras con muchos lugares comunes, y poco contenido trascendente o artístico.

     
Si les menciono, por ejemplo... el año 2001 y sus cercanos hay muchas bandas que sonaban fuerte, que a quienes nadábamos en hormonas pueriles por esos tiempos nos hacían saltar todo el día, romper los bancos del colegio, y rayar con Lliquid Paper cuanta cosa de género se cruzara por nuestro camino.

Definitivamente una de las bandas que más fue inmortalizada de esta manera tribal fue Blink-182, la banda cuyo "punk-pop" cambió y definió la vida de muchos. Con una formula simple Blink se posicionó como la banda ícono de un movimiento que generó muchos imitadores, exponentes o como se les quiera llamar, pero ellos eran únicos, pues eran la manifestación musical de todo lo que quienes eramos adolescentes en esa época queríamos ser.

Su último trabajo, una placa homónima lanzada el 2003 pilló a varios de sorpresa, era un trabajo más oscuro y menos digerible, considerablemente. Poco después la banda se disolvería y derivaría en diferentes proyectos, la mayoría liderados por Tom DeLonge, en dónde se veía la vena oscura del música aflorar cada vez más, Blink había dejado la jovialidad de la juventud en su último trabajo, y las bandas que nacieron de su separación siguieron en línea recta el mismo camino.

Ahora Blink-182 se prepara para lanzar su  sexto álbum de estudio tras su reunión el 2009 titulado Neighborhoods. Varias canciones han sido ya lanzadas al ciber espacio y se pueden encontrar en distintos sitios de manera sencilla. El primero que salió fue Up All Night. Un riff oscuro, con un sonido muy digitalizado. Pero la verdad, no termina de convencer, si bien no es una mala canción, no es sinónimo de lo que uno entiende por Blink-182, suena más bien como una amalgama de Blink, Box Car Racer y Angels & Airwaves. Como si los niños eternos y soñadores hubiesen sucumbido ante las frustraciones de la vida adulta.

Y bueno quien sabe, quizás eso es lo que sucedió, o sucederá.



CANCIONES
Red Hot Chili Peppers - The Adventures of Rain Dance Maggie
( http://www.youtube.com/watch?v=H8QoB3sifzw)

Jane's Addiction - Irresistible Force
http://www.youtube.com/watch?v=2pR0aqlDCuQ

Blink 182 - Up All Night
( http://www.youtube.com/watch?v=JkoCkva-rBc)

NOTICIAS RÁPIDAS!
Últimos confirmados para Maquinaria Festival 2011! Alice in Chains, Stone Temple Pilots entre otros!
http://www.maquinariafestival.cl/

Falsa reunión de Black Sabbath, carta de Tony Iommi en su página oficial desmitiendo el rumor.
http://www.iommi.com/index.php?story=130




Pablo K.

La gran pata de pollo.

(Original de Junio del 2011)
El final de la primera década de los 00's fue una época que estuvo sacudida, de pies a cabeza, por la aparición de los llamados "supergrupos" o "superbandas", ya mencionamos anteriormente a los poderozos Them Crooked Vulutres, hoy es el turno de Chickenfoot, otra banda que, por los integrantes que la conforman se presenta de manera directa, con mucha fuerza, y que generó grandes expectativas previas al lanzamiento de su disco homónimo en Julio del 2009.

Con Sammy Hagar (Ex-Van Halen) a la cabeza, Michael Anthony (Ex-Van Halen) en bajo y coros, Jose Satriani en guitarra y Chad Smith (Red Hot Chili Peppers) en batería, uno espera que el trabajo a realizar sea una bomba, que revuelva tu cuerpo de pies a cabeza y te deje sentado dado vuelta sobre tu asiento, vamos a ver si es realmente tan así.

La historia de Chickenfoot comienza con Michael Anthony, Chad Smith y Sammy Hagar tocando jams en el club de éste último, llamado Cabo Wabo, en Méjico, de ahi el nombre de la banda, pues la pata de pollo tiene tres dedos que la conforman. Según cuenta Hagar, la gente comenzó a preguntarles cuándo sacarían un disco, y cuándo comenzarían a hacer giras, por lo que ellos pensaron que, si iban a hacerlo algo concreto, era primordial conseguir un guitarrista. Rápidamente reclutaron a Joe Satriani, puesto que según Hagar es "El mejor guitarrista del mundo", completando así la formación que daría vida a Chickenfoot. Los rumores sobre la banda comenzaorn a propagarse rápidamente y el nombre se mantuvo, apesar de que ahora la conformaban 4 integrantes, y no 3, "A la mierda, finalmente se trata sobre la música", comentó Michael Anthony respecto del nombre.

Sin lugar a dudas son nombres importantes los que forman este proyecto, genera duda y controversia, íconos del rock ochentero como son Anthony y Hagar, sumados a Chad Smith, encargado del flow funky que existe detrás de Red Hot Chili Peppers, y por si fuera poco, el monstruo de la guitarra y creador del G3, Joe Satriani, el resultado final es... extraño, a mi parecer, no termina de convencer.

Chickenfoot fue muy alabado por la crítica por su sonido ochentero y sin embargo moderno, y claro, aqui quienes llevan las riendas son Hagar y Anthony, se siente y se escucha por todos lados. Rock ochentero a la vena, pero sin los cabellos esponjozos ni los maquillajes femeninos. Bien sabido es que Chad Smith es un amante del rock clásico, asi que muy Chili Peppers y todo, el hombre aquí está en su salza, toca fuerte, lo disfruta, y se nota. Sin embargo Satriani aqui me deja con gusto a poco, siendo guitarrista de su calibre y trayectoria uno esperaría mayor aporte por parte de él, un trabajo de guitarras más atrevido, dinámico, sin embargo en la mayor parte del disco se dedica a riffear en las secciones que corresponde, arpeggiar en las otras, y solear en sus espacios (Solos increíbles, sin lugar a dudas). No pretendo aquí quitarle mérito a Satriani, el hombre es una máquina, pero esperaba escucharlo más.

Sin embargo, no podemos dejar de pensar qué es realmente Chickenfoot, más allá de ser un proyecto secundario dentro de las carreras de sus integrantes, es una banda para pasarlo bien, como ellos mismos lo han dicho. La banda suena fuerte, suena poderoza, suena rockera, pero no suena a nada nuevo, nada que no hayamos escuchado antes; sin embargo tampoco es una banda con grandes pretenciones, y es aquí donde está la clave para entender y apreciar Chickenfoot. Si fuese una agrupación compuesta por desconocidos, quizás las espectativas serían otras, e incluso quizás nunca se hubiesen hecho famosos, pero son sus integrantes los que generan todo este misticismo y expectación a su alrededor, ahora, por qué no pueden 4 personas juntarse y tocar rockanrol a la vena, sin buscar algo más? Pues claro que pueden, y eso es lo que hacen.

Sexy Little Thing y Oh Yeah! son las cartas de presentación más fuertes que tiene la banda, y los unicos singles que llegaron a los charts de Billboard. Temas rockeros, poderozos y energéticos, Sexy Little Thing tiene un riff de guitarra realmente destacable, muy envolvente y pegajozo, esta canción es, en si misma, un himno del rockanrol de forma inmediata. Avenida Revolution, el tema que abre el disco, es una bomba, mención honrosa al trabajo de batería de Chad Smith, asesino, poderoso, oscuro y destructivo, muy particular por lo demás al llevar constantemente un contratiempo con su pie izquierdo, gran apertura para la placa. Sin embargo, a lo largo del disco nos vamos perdiendo, pues suena todo muy similar a lo anterior, y a lo que vendrá, salvo contadas excepciones como las ya mencionadas.

A estas alturas Chickenfoot se encuentra terminando su segunda placa, que será titulada Chickenfoot IV, saliendo a la venta en otoño (primavera para nosotros), tentativamente en Septiembre de este año. Lamentablemente la gira consecuente al lanzamiento del disco no contará con Smith en la batería, pues éste estará de gira junto a RHCP, que lanzará su décimo disco de estudio en Agosto, sin embargo el baterista publicó en su twitter que ya terminó de grabar las baterias para el nuevo disco. Posibles reemplazantes serían Tommy Lee, Matt Sorum, Vinnie Paul o Jason Bonham.

Qué podemos esperar de la nueva placa de Chickenfoot? Lo mismo que de la primera, rock a secas. La verdad es que esta no es una banda novedoza, no busca experimentar ni romper barreras, pero sí es una buena banda de rock, poderosa, enegética y divertida, más de alguna canción podría llegar a cautivarte, sin lugar a dudas.

Sexy Little Thing (Videoclip).


Soap On a Rope (En Vivo)


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NOTICIAS RAPIDAS!

Weezer graba cover de Paranoid Android de Radiohead


Ukelele Songs, de Eddie Vedder ya salió! Escúchalo en línea clickeando éste link!
http://mog.com/albums/mn53974165/eddie-vedder/ukulele-songs


Pablo K.

Viejos buitres, nuevos trucos.

(Original de Junio del 2011)

Kyuss, Nirvana, Queens of the Stone Age, Led Zeppelin, Eagles of Death Metal y Foo Fighters, qué pueden tener todas estas bandas en común? Si acaso quisieramos ponernos a linkear todas estas agrupaciones podríamos desglozar entonces lo que es Them Crooked Vultures.Nirvana; tras la muerte de su vocalista e ícono Kurt Cobain, un joven Dave Grohl decidió no quedarse de brazos cruzados, saltando de los tambores a la guitarra y la voz, fundando así Foo Fighters, que se convertiría con el tiempo en una de las bandas de rock actual más masivas y respetadas del medio; Kyuss, Eagles of Death Metal y Queens of the Stone Age comparten por su parte al guitarrista y vocalista Josh Homme que junto a QOTSA ha llevado el stoner rock a los oídos de las masas, adaptando la fórmula de Kyuss para hacerla más audible al púbico, sin abandonar los fundamentos de la escuela en la que se formó.Homme y Grohl son compañeros, colegas y amigos hace ya más de 15 años, han colaborado juntos en más de una ocación, más notoriamente con Dave grabando las baterías del disco Song for the Deaf de QOTSA, el disco más emblemático de la banda y que significó el reconocimiento masivo de esta, un aporte no menor. Por si fuera poco, cuando Foo Fighters grabó su placa In Your Honor, del año 2005 que consiste en un disco doble (Uno eléctrico y uno acústico), en el segundo disco encontramos invitados del calibre de Norah Jones, el mismo Josh Homme, y el mitológico John Paul Jones (Led Zeppelin), tocando piano y mandolina en los temas Miracle y Another Ground respectivamente. Es justamente aquí donde me quiero detener, ya que poco después de estas sesiones, Grohl y Homme comenzaron a realizar sesiones de jam recurrentemente, con Dave en batería y Homme en guitarra y voces, pero hacía falta bajista, y quién mejor para reclutar a tu banda que al ex bajista del monstruo que es Led Zeppelin, formando así el power trío más poderozo de la última década, fá

cilmente.

Es así como este ejercito de tres personas, Dave Grohl en batería, John Paul Jones en bajo y teclados y Josh Homme en guitarra y voz forman una nueva bestia llamada Them Crooked Vultures, que vió dar a luz a su disco homónimo en Noviembre del 2009, trayendo frescura, rock duro, experimentación y actitud como no se hacía en años.

La placa consta de 13 canciones que comparten una estética y una sonoridad clara y definida, la verdad es que Them Crooked Vultures suena muy a QOTSA, lo que no debería pillar a nadie por sorpresa pues es Homme quien se encarga de la parté armónica y melódica del supergrupo. Sin embargo el trabajo realizado por el conjunto (Y recalco conjunto) es mucho más que destacable, con una sección rítimca que podría considerarse casi como un hecho romántico por sí misma, con el ex-baterista de Nirvana nuevamente golpeando los tarros, y, por sobre todo, escuchar a quien fue bajista de Led Zeppelin volver a unirse a una banda y volver a hacer lo que hizo a cambiar al mundo hace décadas, tocar y hacer música.

Y es que se nota, John Paul Jones pesa no solo por haber sido compañero de Page, Plant y Bonham, si no porque el hombre en si es una máquina musical, un monstruo del bajo y un genio de los arreglos. Lo dejó en claro en los 70's con Led Zeppelin, y lo vuelve a hacer en los 00's con Them Crooked Vultures. El tema Gunman (Uno de los últimos del disco) llega a mi como una versión hardcore de lo que era Trampled Underfoot de Led Zeppelin, mucho sintetizador, arreglos de teclado y un ritmo contagioso como de casino, pero esta vez con la adrenalina de Grohl golpeando sin piedad la batería y la oscura voz de Homme paseándose por sobre la base de la canción. Mind Eraser, No Chaser, es una canción rockera, poderoza y muy penetrante, con un coro avazallador donde Grohl y Homme comparten la melodía principal en un efecto de pregunta y respuesta que es realmente demoledor.

New Fang y No One Loves Me & Neither Do I son los temas más populares del disco, rockeros, agresivos, precisos, y sobre todo, frescos. Por razones obvias, y por ser un proyecto en paralelo a sus bandas principales, los músicos aquí se 

toman muchas más libertades en cuanto a la experimentación que con sus bandas oficiales, lo que podría llegar a desagradar a algún oyente eventualmente, pero con un poco de paciencia se llega a un punto donde realmente se agradece, Reptiles, Elephants y Scumbag Blues cuentan con intensos riffs, secciones instrumentales movedizas y detalles ritmicos realmente esquisitos, por no mencionar Caligulove donde los teclados de Jones generan una atmosfera de los mil demonios.

Them Crooked Vultures es entonces una banda que si bien no circula por los circulos más mainsream, una vez que sabes de ellos no puedes no detenerte y escucharlos hasta quedar enamorado, atrapado dentro de su vibración. Dave Gorhl dijo en el 2010 que la banda grabaría pronto su segunda entrega, y que sería más rockera y pesada que la primera, con fecha tentativa para la segunda mitad de 2011, sin embargo no se ha mencionado mucho más respecto del tema, y ahora con el lanzamiento de Wasting Light y el próximo disco de QOTSA tambien esperado para este año yo personalmente tengo mis dudas, por otro lado Jones dijo que el nuevo disco consistirá principalmente en material no incluido dentro de su primera entrega y un par de canciones nuevas, por lo que no debería tomar más de un año... solo queda esperar.

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Mind Eraser, No Chaser (En vivo)

New Fang (En vivo)

(En vivo la banda cuenta con el chileno Alain Johannes para tocar las guitarras de apoyo).

.- Noticias rápidas!

-> Nuevo video clip de Jane's Addiction, End To The Lies.

-> Se confirma nueva edición de festival Maquinaria este 2011.

http://barreracero.net/2011/05/30/se-confirma-segunda-edicion-de-maquinaria-en-chile/

Pablo K.

Las Marionetas de Carne vienen a traernos Lollipop.

(Original de Mayo del 2011)
Cuando escuché que Meat Puppets iba a lanzar un nuevo disco fueron muchas cosas las que pasaron por mi cabeza en ese momento, lo primero fue alegría, pues una nueva entrega de una banda que disfrutas siempre es agradable y emocionante; pero luego vinieron las dudas "Qué tal será?", "Ya tienen sus años", "Harán algo nuevo?".

Para los des informados, Meat Puppets es una banda de rock alternativo underground de Estados Unidos, formados a principios de la década de los 80's, con una propuesta de folk, rock sucio y una extraña sicodelia, Meat Puppets vale por su peso como influencia más que por su trabajo musical a ojos de la mayoría. Fue en el umplugged de Nirvana, cuando Kurt Cobain cita a los hermanos Kirkwood como una influencia directa, y los invita a tocar Lake Of Fire, tema original de Meat Puppets, que la popularidad de la banda comenzó a crecer, y en pleno apogeo del grunge, lanzaron Too High to Die, disco que incluye el éxito Backwater, y una versión más calmada de Lake of Fire.

Sin embargo los Meat Brothers han tenido una carrera bastante continua con el pasar de los años, y que ha transcurrido mayoritariamente entre las sombras, esta última entrega, Lollipop, sería su décimo tercer disco de estudio en casi 30 años de carrera.

El Disco.

Comenzamos con la canción Incomplete, que en ningún caso hace comenzar el disco con una patada, si no más bien te invita a subirte a un bote de madera y navegar por sicodélicos ríos de dulce dentro de este Lollipop en el que nos estamos adentrando. Orange le sigue de inmediato, con unas suaves guitarras levemente distorsionadas, melodías vocales suaves y gentiles como susurros que corean por encima de una batería cruda, seca y energética a la que ocacionalmente se le sumarán guitarras adicionales o pistas de bajo con distorsión, siguiendo el camino que nos sugería el tema anterior, un viaje sicodélico, navegando plácidamente entre colores y aromas dulces.

No puedo evitar pensar que los años hacen un claro acto de presencia en este disco, que imagino una versión con barba y canas de Too High to Die, pues en canciones como Baby Don't, o Shave It, tenemos el característico folk de los Puppets pero mucho más recatado, sobrio, y la verdad, sin gracia, canciones que no son malas, pero que pasarán desapercibidas por los oídos del auditor sin generar mayor resueno.

Hour of The Idiot es un giro un poco más interesante respecto de lo anterior, un buen trabajo de guitarras, con un efecto permanente e hipnotizador hace retomar el ritmo al que íbamos remando, los colores no han dejado de tener un brillo particular a estas alturas del viaje. Viaje que vuelve a relajarse con la aparición de Lantern, canción acústica, bien country pero con un interludio de guitarras acústicas muy al estilo Kirkwood, bien trabajadas y con una interesante interacción entre ellas. Preludio perfecto para la balada Town, donde el cielo se oscurece y llena de estrellas y nuestra nave se mece de un lado a otro al compás de guitarras acústicas, arpegios y voces que generan espacio y más espacio manteniendo siempre el trance por el que venimos viajando.

Damn Thing se siente como un nuevo amanecer dentro del disco, más brillante y energética, y tenue como una dulce madrugada invita a recorrer la recta final de Lollipop. Si hay un momento del disco donde me sentí diferente, fue con Way That it Are, que genera un letargo mezclado con una sensación de vaivén, que marea, retuerce y desfigura soltándote ligeramente en el coro, donde te liberas y elevas a lo alto para ser tomado por los pies y volver a ser torcido, cual marioneta de carne. Luego tenemos Vile, un tema ácido, potente y rápido que va creando o reduciendo espacio a medida que avanza hacia el corte final del disco, The Spider and the Spaceship, otro corte acústico con un bizarro arreglo de tuba, sonando como una fanfarria de despedida, gracias por visitar Lollipop, vuelva pronto.

¿Volverás tú a visitar Lollipop? Yo probablemente lo haga, el disco parece un viaje sicodélico de una sola línea, no sé si es por el nombre, por su música o las imágenes que me genera, pero si tuviera que describir Lollipop, sería un lugar colorido, con sabores y olores a dulces, chocolates y helado, equilibrado con una dosis de demencia y descomposición.

Definitivamente no es un disco que vaya a pasar a la historia como uno de los grandes lanzamientos de la época, ni como uno de los más importantes de la banda quizás, es en general bastante plano, el disco te toma y te sube a un viaje horizontal, tranquilo y apacible, sin grandes novedades ni momentos destacados, pero sin momentos negros tampoco. El disco comienza, avanza, y termina, si disfrutaste del paseo, volverás a entrar, si no lo percibiste, simplemente no lo harás.



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-"Wich one is larger, the spider or the spaceship? It's the question of the hour, if you know what I mean. Wich one's more powerfull, the spider or the astronaut? In the score left unsettled, it demands to be seen".-
Meat Puppets - The Spider and the Spaceship.



Noticias rápidas.

.- Nueva canción de Smashing Pumpkins, Lightning Strikes.



.- Eddie Vedder adelanta algo de su próximo disco solista, Ukelele Songs.



Pablo K.

Wasting Light, el regreso de Foo Fighters.

(Original de Mayo del 2011)
Desde el ya remoto 2007 que no escuchabamos algo nuevo de Grohl y compañía, con Echoes, Silence, Patience & Grace, en el que la fórmula usada anteriormente en In Your Honor, (Donde separaron 10 temas poderosos y rockeros, y otras 10 hermosas baladas acústicas en dos distintos discos), fue simplificada para darnos un solo disco con estas dos caras de los Foo; pero seguía sonando un poco a "lo de siempre". A pesar de haberse convertido con los años en una de las bandas más potentes del rock actual, se siente en ellos una falta de progreso, en algún punto encontraron el lugar que les acomodaba, y de ahi no avanzaron mucho en bastante tiempo.

Eso es, hasta ahora...

El 12 de Abril de 2011 se lanzó el último trabajo discógrafico de Foo Fighters, titulado Wasting Light, que me parece ser el primer gran paso que ha dado la banda de Dave Grohl desde The Colour and The Shape en 1997, lo primero que llama la atención del disco es lo poderoso que suena, como una bala de cañón cuya mecha comenzó a quemarse al momento de poner "Play", y se consume rápidamente hasta que la canción encargada de detonar esta explosión, Bridge Burning, sale de su desquiciada intro y escuchamos un riff muy rockero, pesado y con sentimiento, a medida que la batería de Taylor Hawkins impulsa esta bala por cada rincón de tu cuerpo, con un coro que recuerda lejanamente a Queens of the Stone Age, es definitivamente la canción perfecta para comenzar de las 11 que componen esta entrega.

Luego tenemos Rope, que es tambien el primer single del disco, otra canción muy bien posicionada dentro del tracklist, luego de la explosiva bienvenida de Bridge Burning, escuchamos la canción que fue la carta de presentación de este Wasting Light. Otro corte rockero, con un riff muy atractivo en el verso y un coro "a lo Foo Fighters", abierto, mucho más oreja, pero que en ningún momento se separa de la globalidad del tema en si.

Dear Rosemary suena mucho más popero que los dos temas anteriores, incluso me recuerda a momentos a Los Bunkers (sobre todo las guitarras durante el verso), sin embargo la letra y la melodía vocal generan una sensación cíclica, como si la canción diera vuelta tras vuelta enroscandoce hasta desatar otro coro pegadizo con una sonoridad mucho mas abierta que lo compacto del verso.

White Limo y Arlandria, son dos canciones muy diferentes entre si, pero que parecen tener una carga emocional igual de potente, mientras que la primera está llena de distorción, con una línea vocal sucia y agresiva, Arlandria posee otro color, otro rostro que mostrar, mas pulido y melódico, con momentos de gran fuerza, sobre todo en el coro y el puente, se siente como si Grohl estuviese hablando directamente con alguien, mismo sentimiento que entrega en el track siguiente, One Of These Days.

Back and Forth, el séptimo track del disco sabe mucho más al Foo Fighters más joven, un track alegre, muy ligero y "buena onda". A Matter of Time puede ser uno de los puntos, quizás no bajos, pero que tengan menos relevancia del disco, pues sigue la línea "standard" que marca a Wasting Light, con un sonido bien a tierra, guitarras relativamente pesadas combinadas con arpegios de una guitarra limpia y un enérgetico coro.

Los útimos tres temas del disco, Miss the Misery, I Should Have Known y Walk parecen un tunel de salida totalmente pensado de esa manera, pues constituyen una suerte de colchón musical para todas las vueltas que da el disco a medida de su desarrollo; un poco más suaves, levemente más lentos, Miss the Misery siendo el más "denso" de los tres, y I Should Have Known más triste y melancólico; finalmente Walk es una despedida que deja una extraña sensación en el pecho, de energía, de aprendizage y quizás un poco de pena, definitivamente un gran cierre, que deja con ganas de más.

Wasting Light es muy posiblemente lo mejor que hayan hecho los Foo Fighters hasta ahora, es un disco más pesado, más rockero, con los lugares a los que estamos acostumbrados a los que estos musicos nos lleven, pero abordandolos desde otro lugar, más maduro, con más experiencia y con más atrevimiento. Los Foo Fighters nunca dejarán de ser lo que son, una banda de rock-pop alegre, de gran gusto popular y una simpleza efectiva que sin lugar a dudas se agradece, respeta y aprecia mucho, pero Wasting Light los llevó un poco más allá, ahora me suenan a una banda madura, con los pies bien puestos en la tierra, un poco menos de niñerías y un poco más de realidad no le viene mal a nadie.

(Solo un poco).


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Foo Fighters - Rope



Pablo K.